Throughout history, the size of an artwork was usually determined by the need it served. It could be as big as a tapestry, or a painting designed to cover the wall of a palace, or a statue of a saint designed for a niche in a church; it could also be as small as a painted screen sitting on a table or a mini-sized Buddha figure that could be held close to the chest. However, influenced by the art market, the sizes of artworks gradually became standardized. Today, having surrendered to the tyranny of the image, contemporary art tends to the grandiose. Consequently, artworks small enough to hold in your hand are marginalized in the narratives of contemporary art. But there are still some artists who are fascinated by the minute. In this exhibition, we go against the grain by collecting together a selection of these miniature artworks. Featuring works by eleven artists from Japan, China, Hong Kong, the Philippines, and Iran, this exhibition celebrates the exquisite, and calls our attention to the power of the minute. Their works should not be seen as merely reductions of standard-size artworks. Rather, they derive extraordinary power from their very smallness.

 

The title of the exhibition references the documentary Jiro Dreams of Sushi. Jiro Ono, the main character of the film, is more than a master chef, he is an artist chasing perfection in something very small. In the same fashion, the exhibition centers on a set of keywords, such as ‘minuteness’, ‘delicacy’, ‘ordinariness’, and ‘craftsmanship’, displaying works in different media, all of which invite the viewer to “see the large in the small”.

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What exactly does “minuteness” mean to us? What kind of “miniature art” merits months and years of tenacious work by the artist and the attentive examination and appreciation of viewers? Everything in the world is relative. Whether a grain of sand or the whole world, all the objects we contemplate share certain features which connect them, and through which they can be compared. Standing in front of these miniature works, seeing infinitely large subjects condensed in extremely confined space, we are poised between the vast and the infinitesimal. From this unique viewpoint, we may gain a new perspective on our own lives.  

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歴史を振り返れば、芸術作品の大きさは常に用途や必要に応じて決定されてきました。例えば、大きいものは宮殿の壁を覆い被さってしまうほどのタペストリーや絵画、教会の壁がんの寸法に合わせてつくられるイエス像、小さいものなら卓上にのるほどの屏風絵、袂や帯板にそっと忍ばせられるほどの仏像などがあります。 “イメージの覇権”が幅をきかせた20世紀以降は、立派な大作ばかりが現近代美術の歴史に刻まれ、作品の寸法も次第にパターン化していき、手のひらサイズの創作物はその枠からはじき出された“こぼれもの”として扱われてきました。そうした流れが連綿と続くなか、今日においても微小なるものに魅了され、制作に挑むアーティストたちがいます。世の趨勢を逆行するように、掌のなかで無限を捉える11組の日本、中国、香港、フィリピン、イランの作家たちが一堂に集結した本展は、精巧につくられた小さきものへの礼讃を趣旨としています。コンパクトな小品ではなく、かそけき兆しから物事の行末を知り、ささやかな事物から広大な宇宙をみることのできる、どれもれっきとしたアート作品なのです。

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展覧会タイトルの「SUSHI」は、鮨職人の小野二郎氏を追ったドキュメンタリー作品『二郎は鮨の夢を見る（Jiro Dreams of Sushi）』からインスパイアされたものです。小野氏は、料理人であると同時に、定められた型枠のなかで、手技の極みを追い求める芸術家でもあります。SUSHIということばを題することで、「細微」「精巧」「日常」「手技」をに、異なるメディアの作品群を通して、「小中見大（小さきものから大きなものをみる）」といった真義の解釈を試みています。

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私たちにとって、“小さきもの”に秘めるとはいったい何でしょう？ ひそやかな芸術のためにアーティストたちは何年もの時を費やし、観る者の視線もまた小さきものに誘われていく――私たちはみな、めぐりめぐる相対世界を生きています。空を舞う一粒のダストにせよ、広大無辺なコスモにせよ、それらすべてが相対的でありながら、相通じる共通性があることは言うまでもありません。これらの作品群に目を向ければ、アーティストが有限なる型枠の内に、はかることだけでは捉えることのできない、事物と事象を凝結していることに気づくはずです。大きな山に芥子が入るように、小さな芥子のなかにも山を納めることができます。両極でありながら互いを内包しあう、そんな日常の経験の外にある遥かなる眼差しは、きっと私たちに存在について知るを示してくれることでしょう。

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